由加拿大和印度合拍的影片《寻子记》,讲述了以修理拉锁为生的主人公莫亨德拉,在得知在外工作的12岁儿子西达尔特失踪后,凭借着一点点线索开始横跨整个印度寻找儿子的故事。虽然西达尔特一直音讯全无,但一家人仍一边祈祷,一边重拾生活的希望。
本片由加拿大导演瑞奇-梅塔执导,他曾指导的电影《遗产风波》,获得了30多个国际奖项,包括加拿大吉尼奖的最佳电影、最佳导演和最佳编剧提名。本片的制片人史蒂芬-布雷、大卫-米勒也是电影《遗产风波》的制作人。影片还邀请了亚洲著名影星坦尼沙-查特里作为女主角,她在《砖块街》(2007)中的精彩表演,获得了英国独立电影奖最佳女主角提名,赢得2007年孟加拉电影记者协会最佳女演员奖项。该片由Poor Man’s Production出品。
豆瓣记录了《寻子遇仙记》的两个版本——68分钟的原版和51分钟的DVD版,但是根据IMDB上的信息,这部电影应该有五个版本,除了上述两个之外,还有:54分钟的德国版,50分钟的1971年重剪版和53分钟的英国再发行版。我最开始看的是53分钟的版本,后来又找到了68分钟的原版,经过比较,我发现原版确实多出了几段内容:
第一段在接近第4分钟的地方,紧接着渣男烧掉女主照片的剧情:女主抱着孩子,走过一栋别墅,别墅正在举行一场婚礼,一对新人手牵着手走了出来,女主惆怅地向那对新人望去。
第二段在大约第12分钟的地方,紧接着夏尔洛坐在路边经过一番思想斗争后决定收养这个孩子的剧情:女主站在一座桥上,黯然神伤,懊恼不已。旁边恰好有一个别人家的小孩子在玩耍,小孩子玩着玩着跑过去抱住了女主的腿,女主十分惊喜,以为自己的孩子回来了,连忙抱起,这时孩子的母亲走过来,从女主手里把孩子接走了,女主大失所望,几近抓狂。
第三段在大约第30分钟的地方,讲了女主和渣男的再次相遇:渣男当时已经成为了一名享誉盛名的画家,有一天他去参加一场宴会,不巧在宴会上碰见了女主,两人都在第一时间认出了对方,场面十分尴尬。在女主独处的时候,渣男走了过去,向女主道歉,并且表示愿意赔偿女主的损失,女主表示,已经太晚了,除非我能找回自己的孩子。
这三段加起来其实也只有5分钟左右,至于原版除去这三段为什么仍然多出10分钟,我认为这应该是由影速度的差异造成的,默片时代的影片放映速度一般来讲是比现在慢一些的。
句一:“被遗弃的孩子找见了自己的母亲。在此之前。孩子由流浪汉抚养。”
这部电影从句法上看与《东京教父》是相等的。
不妨继续分析句子。
句二:“因未婚先孕而获罪的母亲(The Woman)遗弃了自己的孩子(The Child)。五年后,她成为了电影明星。”
句三:“她的旧日恋人、孩子的生父(The Man)无意间烧毁了她的照片的一半,于是继续有意烧毁了另一半。此后生父消隐。”
句二和句三在结构上亦是相等的,The Woman主动脱离了母亲的身份(强调悲剧性的“单身母亲”身份),得以在事业上成功(强调喜剧性的“电影明星”身份)。The Man在火焰中半推半就地脱离了父亲的身份,引出接下来的剧情:A Tramp(卓别林饰)成为养父。
The Woman梦想着在她的裁判下,人和人能握手言和(主要指底层人民),但这只是她不真切的梦(她乐在其中)。被打的孩子的哥哥虽然强壮,却总在A Tramp手里吃亏,这里隐含着的是:
句四:“力大者愚蠢。”
而力大者通常可以比喻不公正的强权与不可扭转的命运。The Woman虽然善良,但她的一切盟友,无论是警察还是国家医生,都传达着滑稽的恶。
国家医生(施救者)与A Tramp(被救者)的第一次互动,颐指气使的姿态与恶作剧般的应付,可以作为当时国家与个体互动时的象征。在第二次的互动中(国家医生试图带走The Child),施救者成为施暴者、掠夺者,被救者成为被害者、被掠夺者,暴力成为掠夺者唯一的话语(暴力的目的是为了挪移),沉默(失去话语)的被掠夺者唯有不再沉默,他们的言语乃是癫狂(卓别林驱赶司机时的两次作势追赶,姿态癫狂)。
在失去The Child后,A Tramp颓然地睡在家门口,电影时间转入梦境,而这梦境使象征结构愈发复杂,因为在梦里和梦外,同一批人却具有不同的身份。
梦里存在第二次癫狂——那是刚到欢喜的天国时众人的狂欢。人人是好人,是好人就有翅膀,有翅膀就能融洽相处。然而接下来却是:恶魔降临——偷情发生——被发现时打架反抗——天使警察出现——天使Tramp枪死坠落,翅膀七零八碎。
梦境与全片此前故事的结构几乎相等,不妨“床上施床”(但不是无谓的)。尤其有象征义的是:在梦境以外,A Tramp与The Woman分别承担了The Child的父亲与母亲的角色,虽然不认识,却可以说是义理上的夫妻(在孩子眼里,一个是爸爸,一个是妈妈);在梦境内部,这二人却成为偷情的情侣。不论是现实中的义理还是梦境里的偷情,总之是陌生的、暧昧的、有缘的、不能发生的。而The Woman所象征着的上流社会的善良一面,与A Tramp所象征的底层社会的“狡猾”一面(砸窗户、住旅馆、每一次溜走,都是狡猾的),这二者之间的关系,在许多历史事件中,正如同本片男女主之间的关系,可以短暂合作,却如梦境般不牢靠,正如此前所云,是“陌生的、暧昧的、有缘的、不能发生的”。
此外梦境与现实仍有许多值得对读之处,如与力大者的两次打架,颓然睡去与枪死坠落,等等。
结局是暂时的美好,三者的身份各自归位:电影明星重新成为母亲,养父重新成为流浪汉,底层孤儿重新成为上层贵少年。这里存在最后一组对比的句子:
“句五:母亲喜悦地回归母亲的身份。”
“句六:流浪汉苦涩地回归流浪汉的身份。”
仿佛什么都没有发生,每一个A Tramp,仍然生活在诙谐而苦涩的第一次出场镜头里。
角色是无名的,The和A,喻示是普遍的阶级。
另:卓别林在此片身具导演、编剧、制片人、音乐、剪辑、演员六个身份。或可探讨知名导演在自己电影里倾向于饰演什么位置的角色。
一次影史的短暂回望
1. 这是卓别林第一次尝试的无声长片。在他之前更早期的电影是作为一种记录工具而存在的。在电影这项人类伟大的发明诞生之初,它被用来大规模地传布戏剧艺术。相较于传统室内舞台表演,电影的优势非常明显:它能囊括一些真实舞台剧里不可能出现的场面,例如自然。这使得“拍下来的舞台剧”有了另一番广阔的表现天地和巨大的观众市场。很快,在这新的屏幕世界里又出现了前所未有的新角色——儿童和动物,都讨人喜欢且能引人发笑。所以,电影史上元老级别的明星有:百代公司的海豹,阿尔萨斯的名狗,以及本片的天才小演员Jackie Coogan.
2. 哑剧电影由于技术所限舍弃了台词,或者仅在必要处给出无声的提示来推动情节。想要博观众一笑,必须依靠诙谐直白的人物表情、夸张的动作设计和巧妙的场景布置。尤其是动作这一块,必须有力、粗放。因为当时没有特写镜头,表现不出细致的情感。所以默片时代的哭一定是用力地嚎啕,不可能是昏暗房间的角落里坐在椅子上的女主眼角里慢慢流出一滴寂寞的眼泪。
3. 粗线条的动作设计,给当时的电影带来了一种新艺术形式,即“打闹喜剧”(slapstick comedy)。这种喜剧形式在电影还处于襁褓时期就已经诞生了。原因是当时电影的镜头和舞台剧的场面是一样的,都是全景,演员们必须使用夸张的手势好让坐在远处的观众也能看得清。今天如果喜剧演员们这么表演一定会被讥笑用力太过,但在当时,初期电影的种种缺点(如:无声)却由于哑剧表演的滑稽而成为一种喜剧风格。这种风格贯穿在卓别林的整个电影时期,尤其是早期的电影(如本片),颇能见到“打闹喜剧”的影子。打,就要跳起来打。被打,也有必要原地爱的魔力转圈圈。看上去很像在看一部动画默片。笑点也由此产生。
4. 早期电影不设置复杂的剧情,有时甚至为了炫技,而会画蛇添足地刻意添加一些与情节无关的桥段。如本片末尾的梦境,加入了“吊威亚飞行”,“人物突然消失”之类的设计,让当时的观众眼前一亮,大大发掘了电影的想象力和可能性,不禁让人想起早期的“电影魔术师”乔治·梅里爱。
卓别林主演的黑白电影。卓别林相对于我们这一代而言,也可谓是从小就听说的经典人物。小时候电视上常常有放他的搞笑默片,在学校,老师也有放过他的电影。很多片段都是十分逗趣。没有台词,全靠演技。他外八、拿着拐杖,带着帽子的形象实在太深入人心了。
这部影片则是在逗趣的同时还充满感动。
总有那些不负责任的父母,生儿却不养儿,随手抛弃。有的更甚是等到孩子大了去寻亲,说是这么多年来自己有多不容易,有多悔恨。这对养父母来说无疑是残忍的。
影片中可爱的小男孩便是被母亲抛弃。阴差阳错的被卓别林收养,虽然当初极不情愿,但几年的相处,他们已形同父子。小男孩很懂事,他们的感情也很好,拥有默契。
小男孩会早起给卓别林做早饭,会去偷偷砸别人的玻璃,卓别林就在后头给人修玻璃来挣钱。他们一起逃脱警察。当男孩被欺负,弱小的卓别林依旧挺身而出。他们生活的不富裕,但观众一定能感受他们相处的美好。在男孩被发现不是其亲生,剥夺在卓别林身边的权利时,那场追踪,那个又相聚的时刻,真是令人无限感伤与动容。
男孩与母亲意外的认识且相认。很神奇,只是一次分发儿童礼物的时候意外的相遇了。而后又莫名的得到了当初男孩衣服里的纸条。希望男孩的母亲是一个感恩的人,能时刻让他们“父子”团聚,让孩子感受真正的关心与爱护。
影片里还有一句打出来的话让我印象深刻:慈善对某些人来说是义务,对另一些人来说则是喜悦。总结的很棒,有些慈善家并不是真心做慈善,而是提高名声,提高社会地位。在他们的状态,钱已经满足不了他们,钱已经是次要的了。但每一次的“施舍”却是穷人能够开心一阵的事。
不过不管那些做好事的人是真心或是虚伪,都是某一些人的福音,也不用去批判别人的目的性,也不过多的去恶意揣测别人,就相信这个世界好人多过坏人,相信这个世界是充满爱的吧!
毕竟你是个什么样的人,你眼里看到的世界就是什么样的~
《寻子遇仙记》讲述了流浪汉查理捡到了一个被遗弃的小孩,并将其抚养成人,小孩的母亲名利双收后高价寻找孩子,最后母子团聚的故事。 影片有欢乐,有悲伤,有感动,有愤怒。查理穷困潦倒,在初遇小男孩时想快点“扔”掉这个“烫手山芋”,但屡次都没有成功,其中还闹出了不少误会与笑话。他将男孩带回来了家,并取了名字,当做自己的儿子抚养。生活艰辛,但父子俩却依然苦中作乐,乐观生活。每天活的有趣又生动,虽然经常为了挣钱而闯祸。 对于男孩的母亲,我记得最深的一个画面就是她和男孩单独坐在男孩家门口,他们的距离很近,但却令人感到无比遥远。世界上最远的距离莫过于你在我身边,我却认不出你。当观众开始遗憾母子俩要错过时,影片开始时母亲写的那张纸条的出现给了人们希望。 但剧情的走向好像并不是那般美好。由于医生的热心导致不小心帮上了倒忙,孩子要被所谓的“慈善机构”给硬生生的带走。这个带走和查理拼命将孩子给带回来过程令人动容。查理将孩子找回了,观众又松了一口气,可下一秒新的危机又来临。孩子的母亲中金寻找孩子,查理和孩子所栖身的夜店老板趁他们熟睡便将孩子抱走了。 查理找不到孩子,落魄游离地回到了屋前孩子常做的阶梯上,逐渐睡去。睡梦中,他遇见了仙子和他的孩子,那里是一片美好。但警察的到来,惊扰了查理的梦境,查理从梦中醒来,被带到孩子母亲的住所,查理又与孩子团圆了。 Happy Ending
而且好像不止一次。。。。地哭了。我最好的卓别林。
四星半。令人心碎的不是的生活,而是那些被夺走的爱。
说个扯淡的一点:卓别林在一百年前就知道煽情的度,决不泛滥。看他饰演的角色和儿子的互动,踹来踹去,小偷小摸,真正底层父子的状态,无比真实。就这么点儿简单的意思,现在反而不敢拍。
卓别林首部长故事片。招牌式的笑中带泪,以流浪汉收子寻子的过程折射贫富分化及人情冷漠的社会问题。与傻大个打架让人忆及[城市之光]拳击戏,只不过后者是利用裁判或紧抱等方式“智躲”,本片是眼疾手快的“明防”。天堂里也逃不脱魔鬼的骚扰与警察的追杀,这个高潮很有想法。撕斗中的碎羽毛(8.5/10)
劝人向善、让人心生温暖和感动的电影!若拥有一颗有爱的心,就算生活贫困,也总会有惊奇的际遇伴随,快乐着直到圆满。
A picture with a smlie-and perhaps,a tear,Chaplin为自己的电影作了最好的注解。他深知动荡不安的疾苦,于是用胶片为所有无家可归的人筑出一个梦。看他的片子很难不哭个底儿朝天,或者是因为滑稽幽默和他的一双大脚,或者是因为他总是漫不经心的就道出辛酸血泪。只有他才配得上悲剧之冠,喜剧之王。
虽说笑中带泪,喜中含悲,可默片到底更适表喜,而不善释悲。因为电影(无论有声默片)中的笑声,通常是指观众的反应,角色自己并不发笑。悲却不然。苦戏几乎都是先发于内,后及于外。很难想象角色未放悲声,观众就已啜泣连连。默片偏偏无声!等于缺失了银幕上下互动机质中的重要一环……基于此,旧影回眸本片会更喜其“喜”:1一旦抱起就再也甩不掉的婴儿(自荣兼自贬)。2借邻铺的睡手摸出自己身上最后一文钱(苦中作乐)。3父子携手打弹弓修玻璃。只是破窗的人家招谁惹谁了?……发现没有,以上三款还有一个共同点:即使搁在有声时代,它们也几乎都是沉默无语的角色行为,也就意味着扬长(喜)避短(声)的功效发挥到了最大!
1921年电影才诞生不到30年,就已经有吊威亚的技术了呢。大师塑造的角色都是把闪避技能点满,真的太好玩了。而大师之所以为大师就在于他真的足够悲天悯人,且并不避讳展现一些小人物上的缺点,又通过自己的绝对魅力消解这些缺点带来的负面影响,反而演化成可爱的成分,最终体现出足够高度的人文主义关怀,且始终带着对资本主义社会的尖锐批判。梦境那段也算是神来之笔了,结尾给了圆满结局,只是按夏尔洛一贯倒霉悲催的运气来说,如果接着脑补下面的剧情,估计还是会很悲剧吧。最近公布的新生儿数量再次下降,当城市里的人为了培养下一代而努力挣扎,农村里的人则为拥有下一代而不断挣扎,我们作为人,请善待我们的后代。
第一部长片就这么完整、笑中带泪,卓别林才是真正的天才啊。前10分钟真是把我秒杀了。这种不用言语就能表达的快乐,现在真的是越来越少了
感人,真挚,细腻,而幽默则被放在了服务其他主旨的位置;同时,卓别林也使用了蒙太奇作为烘托气氛的工具:孩子被警察带走时,流浪汉的挣扎和孩子的哭泣是一段伟大的剪辑和表演;但开始背负十字架的基督叠影和最后遇仙的梦境显得和影片本身格格不入。
这大概是我这辈子看的最古老的电影。这部电影完美的诠释了经典,就是百年之后仍有的共鸣。
生活一贫如洗,乐在其中;父子情深动人,苦尽甘来。
戏剧化的故事,却因动人的情感而显得如此真挚又真实:起初的无力饲养而想方设法不要孩子,却阴差阳错再度孩归捡主……蛮巧妙的设计;男孩长大,他破坏玻璃窗,而养父却若无其事地为人修玻璃窗赚钱……有意思的安排;当男孩差点被抢走时,养父奋不顾身地抢救……似曾看过?……经典佳作,满满的魅力!
修复版,不长却余韵悠长。喜欢这个令人安慰的happy ending,不像《城市之光》的结尾那么心酸,流浪汉夏洛在尝尽人间冷暖后终于迎来了难得的慰藉(与小宝贝团聚还有美人相迎)……话说把“弃婴”这个原本沉重的题材拍得有趣好玩又笑泪交织的,恐怕世间也只有卓别林一人可以做到了吧?最后对梦境的妙用也增强了艺术感染力。诚如开篇提示说的——好的喜剧真真是令人笑中带泪的。
几个桥段,一个砸玻璃,一个修玻璃,嘿嘿,父子两演双簧维持生计,倒也是人间喜剧。1921,这片子快100年了。都是表达对底层小人物的同情、怜悯和尊重。卓别林是真正的人道主义大师,有种刻进骨子里的慈与爱。8.9
后来,卓别林不用开头耶稣背负十字架那样的象征镜头,也不用结尾那样嬉闹的梦了。
【B】小男孩演技好棒!虽然我看到最后才看出原来这是个男孩…………
失去了亲人,却找到了天使.给社会下层人民梦幻般的力量,魔鬼的出现以及主角被警察带走等场景又给电影增加了一丝绝望的阴影。 喜融于悲,悲反衬喜;悲喜结合,恰到好处
卓别林早期的喜剧影片都具有极强的社会批判效应,从这个方面说卓别林不仅仅是一位喜剧大师更是一位现实主义大师。他影片中的流浪汉夏洛尔总是生活在生活的最底层,和上流社会永远格格不入,却总保持着一颗乐观善良,乐于助人的赤子之心,苦中作乐却从不怨天尤人,难怪年纪越大看卓别林的电影越有感触。
以巴掌落空與快動作營造喜感,悲喜穿插扇動觀眾情緒,夢境反映現實更顯奇趣——電影的語彙與經典編排,在九十多年前就已建立。