家宴1998

‘There is also another reason, which may actually apply to Danish film and me, and which is very much a product of Danish film culture. I think that it has been very hard to liberate oneself from a film convention that possesses many qualities, but which in many ways envelopes you and weighs you down.Thomas Vinterbergsaid this in an interview about Festen, he talked about the reason why they set the Dogme rules. I believethe born of Dogme 95 is not an coincidence. It is kind of rebellion and dark humor. Iwant to talked about this and explain my personal understanding of Thomas Vinterberg’s words.

The decade from 1980 to 1990 was probably one of the most important moments in the development of Danish film. The Danish government makes the strategies called ‘national film culture’ at the second half of 1980s. The annual subsidy of €67 million for films industry is based on this strategy (Cecilie, 2014). Compares to other country in Europe, the level of direct aid to film industry is above the average(Cecilie, 2014).You can even say that this is actuallythe Utopia of film. With investment and protection from the government, Denmark actually made many great films in this decade. However, with the great environment comes the invisible limitations. The huge market for film has also made it hard for filmmakers to create and express themselves as they wish, but instead they need to give what the audience want to see at cinema. And because of the impact of Hollywood more and more people joined the film industry. More than thirty people circling around the director, lights and assist director and many stuffs. The job of a director seems more like a man who try to makes a huge machine works instead of creates something. The creators enjoins the benefits but they cannot liberate themselffrom this situation in the mean time.

Until 1995, a group of young man stands out and built the Dogme 95. Then Festen as the first Dogme film was born. Being the first Dogme film means that Festen needs to abide by the 10 rules. Of course this rules are harsh and somehow deliberate things. But compares to the rules of film production now, it seems not that harsh. The fact is that the Dogme 95 try to make creating as the core not technology by go downs to a totally different way of film making. They refused the technology roughly and try to show what a film should be: a story.

Very interesting things is one scene in Festen. If you are carefully enough, you may find a stick with camera which is reflected in a mirror. Obviously you should use your own hands to finish the shooting in Dogme film. But the director still did this for a more beautiful story. Consider other mistake scene in Dogme film.This tells that even they fight the new technology, but they still want a good film and story. Dogme is more about a spirit not absolute rebellion. Film is creating by the people, not the technology. 1995 is the year, it can not be late no more for the film production.

Interview from:

http://www.dogme95.dk/interviews/interview-with-thomas-vinterberg/

Reference:

Givskov, C. (2014). Institutionalization through Europeanization: the Danish film policy reforms of the 1980s and 1990s.International Journal of Cultural Policy,20(3), 281–295.//doi-org.ez.xjtlu.edu.cn/10.1080/10286632.2013.786058

1998年戛纳电影节评审团奖（三等奖）。Dogme95一号作品。
丹麦导演Thomas Vinterberg根据广播里听到的一则故事自编自导。中心是揭家丑。这个丑不一般，是关于猥亵儿童且近亲乱伦；揭发者很特殊，是家里的长子、受害者本人。中国有句古话，家丑不可外扬。事情虽然过去多年，但长子在双胞胎姐姐自杀后终于无法自已，于父亲60岁生日之际毅然揭露其禽兽行为。影片讲述了长子如何艰难的让众人相信这一惊天丑闻，并着重刻画了每个人在得知秘密前后的言行对比。情节的戏剧化很强，但很难说有什么深意；或许从风波过后两对情侣如释重负的翩然起舞来看，导演对长子的行为持肯定态度。当然本片也聚焦了家庭暴力、虐待儿童等现象，以及社会对这种犯罪的零容忍。类似的题材导演在十几年后的《The Hunt》中进行了更深入的探讨。
时间和空间高度集中是本片的一大特色（因此后来被多次改编为话剧），再加上Dogme95中无旁白无配乐无特效手持摄影等要求，都给演员留下了很大发挥空间。片中，孤独执着的大儿子、任性暴躁的小儿子、崩溃边缘的女儿、深藏不露的父亲、助纣为虐的母亲、都给人留下较深印象。尤其是小儿子，之前一副败家子的模样，中间因不能相信而与最要好的哥哥反目，等真相大白后又替观众痛扁了禽兽父亲，并拒绝原谅。他的一系列举动看似不合逻辑，却符合他冲动的个性和家族荣誉至上的信条。宾客的反应相对平淡，除了一度闹着要走，但发现钥匙找不着居然就作罢了，处理的多少有些草率。对于旁观者角度的剖析，导演也将在《The Hunt》中完成。
写本片影评，就不得不提到Dogme95。这是在1995年在巴黎召开的一场庆祝电影艺术诞生一百周年的国际会议上，两位丹麦中年导演Thomas Vinterberg和Lars von Trier发起的一场运动。背景是人们在反思现代电影应何去何从，初衷是抵触好莱坞大成本大制作的商业化模式，结果是提出了拍电影的10项清规戒律，鼓励人们遵守。两位导演首先分别以身作则的各拍了一部电影（其实也没有完全符合要求，照他们的说法，导演自己有最终解释权），本片就是第一部、也是反响最好的一部dogma95电影。后面陆续有世界各国的响应者遵照宣言内容拍了两百多部电影，由Dogme95委员会审核后列入名册。这项运动在业内的评价褒贬不一。有人说返璞归真，有人说作茧自缚，有人说有创意，有人说大退步。我的看法是，它在倡导低成本真实性生活化等方面是有积极作用的，这使得更多的普通人有机会参与电影制作，从而推动电影全民化的发展；但它的主张过于激进和苛刻，十条里每一条都不易做到（具体内容请参见维基百科词条），更何况一起来。电影的娱乐功能不可忽视，而且教条主义终究不是好事。如果把现在的好莱坞比作唯利是图的万恶的资本主义，那么这项运动就好像希特勒的国家社会主义，即纳粹。事实上两位导演本人也仅各拍过那一部Dogme95，后来就该干嘛干嘛去了。这项运动在十年后正式结束，盖棺定论的说，这只是电影史上一个不太起眼的小风潮而已。
对于Thomas Vinterberg来说，本片是他扬名国际之作，在丹麦国内则包揽Bodil奖和Robert奖的最佳电影（这两个奖当时都还没有设最佳导演奖，而且按Dogme95的规定，导演不能署名，所以本片在IMDB中导演栏是空缺）。不过Thomas随后就找不着状态了，连拍烂片，直到2010年后才缓过劲。

Festen是世界上第一部Dogme电影，由丹麦导演Thomas Vinterberg执导。关于Dogme准则，喜欢电影的人应该多少都知道一点吧~~个人对那几条不准这个不准那个的规定不怎么喜欢，Dogme电影我也只看过Festen一部，但我得说，这是我非常非常推崇的电影。

先说说故事吧，某地望族的一家之主（且称其为父亲）要过60大寿，亲朋好友纷纷前来祝寿，在异地的儿女们（大儿子Christian，小儿子 Michael，女儿Helene，Christian还有一孪生姐姐，但不久前自杀了）纷纷回家，一副欢乐的景象。但宴席上Christian却意外地揭露了一个秘密：父亲小时候对他和孪生姐姐长期进行性侵犯。于是，和睦的假象如破镜般被砸了个粉碎，而同时仆人们暗地里造反，藏起了客人们的车钥匙，给这幕活剧的上演留下观众，事情越来越不可收拾……



看完片子，第一反应是“WHOA！”，第二反应是震撼，第三反应是一种自危式的恐惧。每个家庭都有它自己的秘密，这种秘密不止是秘密，而是禁忌。未必是电影里那家人那般不堪，却一样致命，会让任何和美的景象脆弱的不堪一击。这实在让我的心变得灰暗起来，因为我知道这样的事是不可避免的，即使是我自己的家也是。一旦真相揭开，人与人之间的矛盾冲突开始激化，每个人的真面目赤裸裸地展现开来。回到电影里的这家人，Dogme的原始拍摄手法残酷地毫不留情地刻画了家中每个人的表现，通过一个个细微之处，一步步地剥开了精心掩饰的外衣，露出了内心。

Christian

Christian刚出场的时候很安静沉稳，甚至有点木讷。无论是对热情的弟弟，还是暗恋他的女佣，都是一副没什么表情的样子。Christian 在法国开了一家餐馆，事业有成的他是父亲的骄傲，在父亲面前他还是个温顺的儿子。一切在那个餐桌上改变了，他用开玩笑的口气让父亲选两个信封，父亲选了个 “真话”的信封（实际上无论选哪个都是“真话”），于是，Christian用一种平静又紧张急促的语气宣读了那段让所有人目瞪口呆的话。之后的他，变了个人似的，一而再，再而三地撕破父母的在客人面前的掩饰补救，即使被几个人架着扔出家门，丢到树林里也不罢手，锲而不舍地揭开了最后的真相：妹妹正是因为童年受侵犯的阴影而自杀的。Christian像一壶正在加热的水，从冷到温再到沸腾，最后把一切都弄的滚烫，他的血在烧着，他的家庭也在烧着。和妹妹一样，Christian也有阴影，这种憋在心里痛楚使他没法正常地表达自己的情感，隐藏在他心里的，是自卑或是一种自我放逐的感情。妹妹的死唤起了他改变命运的勇气~~他没有参加妹妹的葬礼，但他用自己的方法表达了对妹妹的爱。任何东西积累了久了，一旦爆发结果一定是惊人的，这就是Christian。

Michael

Michael是个不受宠爱却又很想被爱的孩子。一出场，他和哥哥Christian形成了鲜明的对比，他性格开朗爽快，也很火暴。Michael 看上去很俗气，开了个又脏又小的饭馆，对老婆一言不合就开骂，开着辆小破车，拖家带口地跑来祝寿（实际上也是来寻求经济支持的），却连像样的衣服也没有几件。父亲不想见他，管家瞧不起他，就连以前的情人——家里的佣人也会当面大骂他，怎么看他都很失败。但Michael其实却是最听话的儿子，他持有的是一代代传下来的那种很传统的价值观，崇尚父权，为自己高人一等的家庭自豪，他为了维护家庭的“尊严”，骂姐姐的黑人男友是“猴子”，痛打以前的情人，甚至把哥哥当仇人一样的揪出去。觉得Michael真的很单纯，他想的很简单，这个家是他仅有的骄傲，在这里他是一个主人（虽然别人未必这么看），他有责任保全他的面子，这种强烈的情感使他不相信哥哥的话。当证明事实的铁证摆在他面前后，Michael的行为同样让人吃惊。夜深人静时，当人们以为一切归于平静了，他在打自己的父亲。他哭着，叫着，像一个受了骗的小孩，最后摊倒在地上，好象整个世界都完了一样。想想那个为了进家门和管家吵翻天的他，站在门口希望父亲见一面的忐忑不安的他，不知为什么，自己也有了种心碎的感觉。



Helene

Helene是个律师，在大家眼里她是个乖巧的女儿。的确，她看上去是挺无忧无虑的，在旧家发现了去世的姐姐留下的童年游戏的记号，便当场很有兴致的玩了起来。但她也有她的心事，她不敢把自己交了个黑人男友的事告诉家人，Michael的表现就说明了问题：“我不想让猴子进我的家门。于是， Helene的不安变成了愤怒，她一反常态，歇斯底里地和Michael撕打了起来，大骂他是个纳粹。还有，后来Helene读着姐姐的遗书，相比平静的 Christian和震惊的Michael，她哭的泣不成声，她是个很性情的女孩，为了爱的人战斗，为了爱的人哭泣，如此而已。（其实我对Helene没什么研究，也许得再看一遍才能得出更多的感受吧）

父亲

父亲的态度很让我意外，从外表上看，他的情绪一直没有太大的起伏，不像许多片子里演的那样吹胡子瞪眼什么的~~他就这么看着Christian揭开他最痛的一个伤疤，看着家庭的荣耀就此化为乌有。我可以在他脸上看到他的心，不表现出来不代表没有感觉。他是很难过的，难过在这样的日子里，提到了这样的事；他也是内疚的，内疚自己对孩子犯的过错，内疚女儿的死，内疚自己给家庭带来的污点；我想他更是感到一种轻松的，从此不用再受心灵的折磨。父亲很像一个等待处决的犯人，安然接受所有的惩罚。结尾，Michael很有礼貌地请父亲出去，父亲楞了一下，摇摇晃晃地走出了门，看着他的背影，突然觉得他也只是一个老人而已。

客人

客人在里面扮演的角色颇滑稽，这堆人熙熙攘攘地来，把房子整的热热闹闹的，他们见证了这个家庭秘密的公开，却又装作什么都没发生的样子，照旧向父亲祝贺，照旧吃蛋糕，照旧快活地跳舞，可谁又知道他们离开这里后会说些什么呢？

片子结束的时候，客人们在餐厅吃早餐，Christian决定和那个爱他的女佣一起走，Helene依然和黑人男友一起，把父亲请出家的 Michael开始有了一家之主的味道。一场庆祝（庆祝就是Festen的意思），一次揭秘之后，所有人的生活有了或新或不变的轨道。生活还要继续，尽管留下的是一片狼籍。我们自己，我们的家庭，我们的生活其实是很脆弱的，爱可能是伤害，一直以来的坚持可能是个错误，大力气的维护可能是徒劳，就像这片子里的人们。突然，此刻我想做的是检视我的生活。

对于冯疯子一直抱着敬畏的态度，对托马斯的了解则甚少，然后私以为既然已是同学又一起发起了dogma95，那也是“不疯魔不成活”类型了

手持摄影是个人很喜欢的风格，晃动镜头带来的真实感更添加了生活气氛。在庆祝欢愉的表象下，暗涌着资产阶级富豪名门望族的不堪肮脏，一个父亲猥亵了自己的亲生儿女。为什么会有人认为这样做可以这个问题比那些所有挂上未解之谜的问题还让人费解。是愿意相信，这个世界是善的不是么？可是至今这样的事情也依旧在发生。只能，希望你好。

很久没看过这么粗糙霸道凌厉惊人的电影了。摇摆、极端、扣人心弦，作为“道格玛95”宣言范围内的首部作品，《家宴》无疑是整个运动当中的扛鼎之作。“道格玛95”，也许我们可以称之为“电影界的摇滚”，离经叛道、桀骜不羁，不仅为北欧电影，更为手持摄像机在赛璐珞的地盘里圈出了一席之地，而自从有了这种新的拍摄设备和技法的出现，电影甚至走进了一个新的纪元。
如此宣称的目的在于说明，对这样一部处处藏有隐秘和玄机的电影来说，摄影显然处在至关重要的位置上。混乱的家庭和潜藏的秘密，这样的内核与DV简直就是天造地设的一对儿。在片中，我们可以看到各种各样手持摄像所导致的摇摆和晃动，一方面营造出正在对家庭聚会的全部过程进行影像记录的感觉，另一方面也暗示着潜伏于剧情之内的种种躁动和不安。正常视角在影片当中简直是少之又少，取而代之的是各种仰视、俯视和窥视。这种看似十分随意、反常的视角营造出监视和偷窥的效果，很多时候更加凸显了人物内心种种细微的变化。虽然全片画质粗糙甚至色调都不能达到统一，但我们也许并不能将之称为“瑕”，因为这些元素在我看来正是一种天然的安排，它与粗犷的剪辑和演员无比自然的表演一道形成了一种十分特殊的风格，从而使全片在内容和形式上达到了高度的统一。可以说，这种技法的运用既是拍摄设备的要求，也是电影本身的要求。
好吧，废话如许，下面抛开那些个渐欲迷人眼的名词不谈。父亲要过六十大寿，一众人等前来祝寿。三个子女率先赶到（老大已死），老二是儿子，沉默寡言；老三是女儿，性格开朗；老四也是儿子，暴躁粗野。三家各行其线，纷繁复杂；一番前戏之后，巨大排场的家宴如期而至。长子克里斯丁敲响酒杯，首先致辞；然而谁也没有料到，看上去温文尔雅、不善言辞的克里斯丁却在祝酒的时候不合时宜地爆料了一个惊天秘密：几个月前他的姐姐、父亲的大女儿的死正是因为无法忍受父亲的强奸。由是，影片气氛陡变，从欢乐转为尴尬、紧张，直至冲突爆发。大儿子克里斯丁势单力孤，眼看就要被当成精神病，局势却又在老三发现的一封信之中逆转。
诚然，从概念上说，冷峻做派之中的残酷，衣冠其表下的禽兽，不久之前仍然威严的父权现在轰然倒地，留下的是一片信仰和价值的狼藉。二战时期遗留下来的伤痛、北欧对等级和威严的保守倾向和男权主义作风在片中展露无遗。不过如果更进一步看，这些大背景固然有其深刻的意义，但也都并非本片实际的重点所在；重点其实很小，恰在于母亲在家宴上对克里斯丁所说的一句话：“自己道歉不算是耻辱。”这是一句说起来容易做起来难的话。显然，克里斯丁和父亲都不会轻易向对方乃至整个家庭致歉，因为前者的道歉意味着一个人的性命和真相从此湮没，后者的忏悔则会直接导致晚节不保，导致一世的名声和权威彻底被摧毁。这种情况之下，他们必须坚守，虽然原因各不相同。在颇具风度的忍耐之后，克里斯丁的父亲和母亲忍无可忍，终于分别祭出了自己的杀手锏，即称克里斯丁是个疯子，小时候就有精神分裂的倾向。
这无疑是一招狠棋。“疯子”二字不仅摧毁了一切真相，而且还把自己将要得到的、名声上的惩罚转嫁到了自己儿子身上；更有甚者，亲生父母竟然把自己儿子作为常人所应具有的表明自己观点的权利也都悉数销毁了。疯子永远无法自证其清白，说你是疯子，你便就成为疯子了；你不可以说自己不是疯子，因为疯子都是这么说的。任何看似荒谬的借口都能致病，而一旦借口放在疯子身上，借口就足以变成“理由”，而越是足够权威，越是人数够多，克里斯丁就越无法自证其不疯。于是，克里斯丁就无可奈何地陷入了一个根本不存在的死循环里：想证明姐姐的死与父亲的强奸有关，就得证明自己的话可信；想证明自己可信就得证明自己不是疯子；而想证明自己不是疯子的唯一可行的方法，就是得证明姐姐的死与父亲的强奸确实有关。好在克里斯丁绝非孤军奋战，他的朋友们自始至终都给了他莫大的心理安慰和精神支持，并且在紧要关头非常偶然地帮了克里斯丁一把，最终居然将死循环当中劈开，使问题迎刃而解。
世上真相和权威所做的斗争千千万，可没有一个是轻易就能解决的。小到一个家，大到一个国，正义和真相似乎总是徘徊在垂死的边缘，理智、欲望和激情并不总能在一个人的灵魂当中和平共处，人们为了自己的私利也总能做出一些违反常理，美其名曰为“坚守”的事情。人们极力挣扎、维护，无所不用其极，拼尽最后一口气也要和正义的疯子划清界限；中间这个界限，想来想去，无非就是一张“面子”，还有脸皮之下那一堆怎么也不愿示人的垃圾。也许我们可以将父亲描述为一只气球，它里面本来充满了气，无论味道如何，还都鼓鼓囊囊；随着那层皮到处漏气，人们开始闻到味道，球体也开始逐渐萎缩；直到最后，气球周围臭气熏天，气球本身已经不复往日模样，一张干瘪的、布满皱纹的脸才终于在人们面前显现出来。从这个角度上说，《家宴》也许就是一个寓言，其背后所隐藏的普适各处的明争暗斗和艰难困苦、其中心所昭示的无聊但凶猛的维护与质朴而讷言的追求之间的对抗，可以说是富含深意的。影片最后，姐姐的亡灵终于得到宽慰并与克里斯丁紧紧相拥，父亲如母亲所说，终于“不算耻辱”地承认了自己的耻辱，财产、辉煌、荣誉等等也被人们饭桌上的窸窣耳语腐蚀净尽。克里斯丁望向父亲，紧皱眉头，看上去似乎已经开始反思自己的行为为自己生身父亲带来的后果。
可怜，不可怜？原谅，不原谅？克里斯丁自己也陷入了深深的疑问之中。只有接向父亲背影的克里斯丁的目光能够解释一切，可这道目光，却也随着父亲的远去逐渐消失了。
说到这里，让我们返回头去再说说宣言。有人说，“道格玛95”的影响力在本世纪初就已经消失殆尽。事实真的如此吗？我看未必。也许作为组织的“道格玛95”早就消失了，这点毋庸置疑，但它的影响，恐怕从未、也再也不可能消失了。事实上，它已经深深地溶进了电影史，嵌入了所有重视故事和表演的电影学派。一天人们终于发现，原来“道格玛95”并不是拉斯•冯•提尔和托马斯•温特伯格的呓语，它流淌在每个人的血管之中，根植于每个人的内心深处，等待着每一分每一秒的悸动。

然而人性岂真能如道家所说的那样恬淡；欲得的却多。——鲁迅
人性善恶论，如同蛋生鸡鸡生蛋般的争论得喋喋不休，却总是没有公认的结果。不管哲学家思想家政治家如何思辨阐述吆喝，善恶就一念之间，人性的抉择总没有那么光明磊落。
当天朝还在为《天注定》是否如期上映持怀疑态度，对《无人区》无限期延映，《天浴》《老井》《活着》等遭遇禁片待遇时，世界上的其他国家却用电影深刻的反省了自己的丑恶一面，揭开了表面光鲜下的血肉模糊，这本就不是人性的拷问，只是想让观者看到社会与人的黑暗侧面，这种剖白固然残酷，却是跨过这道深渊至关重要的手术。
谈到人性，过于沉重。但是只有看到了伤痕，才能对症下药，等待结痂之后继续前行。看了几部电影很有感触，不管是影片的艺术价值还是引起的人性思考都值得跟大家一起分享。

家丑外扬
“家丑”永远是一个敏感词，何况是一个地位显赫的家庭。《家族庆典》（另译为《家变》）讲述的就是这样一个表面风光无限的大家族的惊爆丑闻。导演将深藏于家庭内部的人性恶劣行径揭示在众人面前，迎接这一惊天逆转的是观者的瞠目结舌。
一家之主父亲的60大寿，三个儿女从各地各怀目的赶了回来。与以往的奢华盛宴不同，这次大女儿的自杀而死让这次的聚会暗流汹涌，一触即发。在给寿星老爸说祝词的时候，乖乖的大儿子克里斯汀却一语道破父亲的猥琐之事。在场嘉宾完全搞不清状况，这是玩笑，可是玩笑开大了吧？不是玩笑，那得是多大的丑闻，父亲竟猥亵自己的两个孩子。宴会一下子冰冷了，客人懵了。弟弟极力维护父亲的威严与家族荣誉将哥哥赶出家门，妹妹虽然发现了姐姐自杀的真正原因，抑制不住哭泣的泪水，也终究是隐瞒事实。作为母亲，从来就知道丈夫的肮脏行为，却不为所动，对孩子不闻不问，对丈夫放任纵容，维护家庭一派祥和的气氛，努力做一个完美的贵妇才是她的目标吧，看到这我连唾弃都觉得苍白，这是母性吗？这是人性吗？
影片探讨了上流社会奢靡的生活状态以及疏离的人际关系。有聚会大家都来参加，但有几个人带来了真正的祝福，聚会的目的可能是攀龙附凤，可能是卖弄风情，聚会成了欲望与金钱的代名词。当听到主人家丑闻时，众人只是置之度外，风波平息后，又继续狂欢，仿佛这一切从未发生，就像罪恶从来没有降临过人间，这是享乐主义的上流社会投影。本片的群戏堪称经典，生活化的表演，听到几次的惊人言语的反应都惊艳影坛。
可能大家没听说过《家族庆典》，但一定知晓《狩猎》，两部作品都出自丹麦导演托马斯·温特伯格之手，同样是探讨人性的作品，但显然《家族庆典》与《狩猎》的拍摄手法上有很大差别。这里不得不提到Dogma 95（链接），Dogma95又或Dogme95，译为“道格玛95”。道格玛95是一场由丹麦导演拉斯·冯·提尔，托马斯·温特伯格，克里斯汀·莱文等于1995年发起的电影运动，该运动被称为道格玛95共同体，其目标是在电影摄制中灌输朴素感和后期制作修改及其它发明的自由强调电影构成的纯粹性并聚焦于真实的故事和演员的表演本身。为进一步实现该目标，冯·提尔和温特伯格发展出了道格玛电影必须遵循的十条规则，这些规则被称为纯洁誓言。
《家族庆典》是第一部Dogma 95作品，是1998年的戛纳评审团大奖得主。时光和豆瓣的评分都不算太高，我却非常喜欢这部作品，也许是遵循“Dogma 95”十诫的原因，影片的效果完全的返璞归真，不经雕琢的生活化表达也使电影更贴近真实现状，容易引起情感共鸣。手持摄影的晃动的镜头，有身临其境之感，把焦躁不安的气质完全展现。

部分人的民主
“民主”多么响亮的词汇，然而当偏见占据上风，民主也就成了强势力量恃强凌弱的护身符。始终忘不了《杀死一只知更鸟》中当一切真相大白后，一群白人评审团竟然依旧认为无辜的黑人有罪。
孩子作为这个故事的亲历者与讲述者，目睹了这个略显残忍的故事。这是一个对黑人带有绝对偏见的国家与年代，黑人天生就是卑贱的，是无耻下流的。普通的黑人尚且遭到趾高气昂的白人的压迫，更别论被指范强奸罪的黑人。白人律师作为黑人的辩护人，也遭到了一众白人的黒眼，尤其是原告方的冷嘲热讽，恶言相向，甚至唾沫星子，孩子的安危也受到威胁。当律师辩论完后，空旷的的法庭反衬出他的孤独与落寞，律师的儿子吉姆目睹了这一切，目睹了这太不符合逻辑太不符合法律太过黑暗的一幕，惊得目瞪口呆，回到家他哭了，不只是为父亲无功的劳碌与承受，也是为他道德世界的倒塌。
所谓民主的国家，民主却只是白人的民主，当偏见根深蒂固，那种人性扭曲完全的暴露在观者面前，令人不寒而栗。对黑人的围追堵截，恶意侮辱，直至将其逼入绝境。最可耻的是白人女性在圣经面前发誓后，却信口雌黄，即使事实白人在大庭广众之下，但她还是一口咬定是黑人的犯罪，因为白人引诱黑人必定会遭致众人的讥讽，她没有勇气承担坦白的后果，却将黑人推至深渊。这场审判，白人似乎取得了胜利，却是人性的失败，民主的失败，制度的失败，时代的失败。
电影中的英雄的律师形象由好莱坞绅士代表格里高利·派克饰演，那场长达九分多钟的法庭辩护戏，激昂的台词更像是他的肺腑之言，全无表演痕迹，这一幕征服了我，不管是派克炉火纯青的表演，还是激昂正义又略带祈求的发言都震得我有一股流泪的冲动。
《杀死一只知更鸟》改编自普利策奖得主哈柏·李的同名小说，这是一部前面看来略显沉闷，但是很快会渐入佳境的电影。它有一股神奇的吸引力，不管是强烈戏剧张力，还是格里高利·派克的表演都制造了异常的影片质感。影片包含了太多的东西，值得我们抽丝剥茧，其中对人性善恶的探讨，对时代的质疑的勇气，使这部风格老派的电影焕发了别样的光彩。在电影里，“知更鸟”具有了更深层次的涵义，它象征着那些面临邪恶力量威胁的善良人性。

孩子、流言能杀人
提到孩子我们理所当然的想到纯真，然而在这个泛信息化的时代，天使般的孩子也变得不可捉摸，曾经天真烂漫的孩子，曾经不讲谎话的孩子似乎在离我们远去。《狩猎》中幼稚园的小女孩一席谎言，打碎了一个男人的一生，也摧毁了我们对美好生活的憧憬。
孩子总是作为正面形象出现，当一个孩子指认一个成年男人对自己有性侵害行为的时候，我们会选择相信孩子。影片中的男主角卢卡斯就遭遇了如此境遇。从影片中我们可以感知他的为人极好，在邻里同事间口碑也不错。奈何本可以一笑置之的谎言，却弄得无辜的他百口莫辩。本来是一个小女孩生气时编造的谎言，像个雪球般越滚越大，受到了邻里，同事，警察，媒体等等的社会关注，然后谎言变成了真实。
影片中，在平静祥和的气氛总是会发生惊魂事件，就像是这个世界不容忍美好，一出现温情就要打破。受到污蔑的男主角卢卡斯好不容易与儿子相会，在厨房敞开心扉交谈的时候，破窗而入的子弹，将从狱中释放回家后的卢卡斯的希冀打破。还有，雨夜中死掉的小狗是情感的爆发点，对小狗的埋葬更像是对现实世界的美好事物的埋葬。另外，影片结尾处本应该是个善意的结局，可是毫无预兆的来了另外一枪，这就是人性的狩猎，当你成为猎物就必然要接受死亡，你不死，猎人会继续攻击。
影片中的几场戏具有极大的震颤威力，教堂里那气愤的，无辜的，控诉的，沮丧的，绝望的，鄙视的眼神，我想观看了影片的观众都不会轻易忘记。教堂里说谎的小女孩在唱颂歌，底下一众人在祷告，而无辜的人儿却有郁结于心的说不出来痛苦，不能不说这是极大的人性讽刺。
看来导演托马斯·温特伯格备受戛纳亲睐，第二次参赛的他的作品倍受赞扬，本片主演麦德斯·米科尔森也因为完美的表演登顶戛纳影帝。

青少年成长
青少年一直被称为未来世界的主宰者，而《告白》里折射出来的青少年犯罪，以及消极的处世态度未免让人对未来灰心。这部电影接触的较早，是我第一次看完后觉得寒冷刺骨的电影，当时的心灵震颤层度可想而知。
影片《告白》以女教师风平浪静的讲诉自己女儿被班里两个同学杀害的来龙去脉开端，随着情节的推进，可以想象她当时看似平淡无波表面下的惊涛骇浪。她说可以不追究当事人的责任，只是在他们刚喝的牛奶里加了艾滋病人的血液，于是乎加速了一连串的悲剧的发生。本以为老师终究是善意的，受到伤害的老师报复后离开学校会使事件告于段落，没想到老师竟是整个杀戮事件的幕后黑手。影片就是这样给了我一次次希望，然而又一次次浇灭我的希望，甚至影片的结束都没有放弃这个模式，让我耿耿不能释怀。
青少年的成长，离不开家庭的温暖，学校老师的指导，以及社会的呵护。然而如今的世界，家庭破碎、父母离异的家庭千千万，为人师表的老师也不是个个都正人君子，社会道德更是出现滑坡的迹象。家庭温暖的缺失，教育的不作为，社会的坏现象，这一切都是青少年悲观情绪和犯罪行为的诱因。青少年处于人生观价值观形成的重要时期，外界的引导至关重要，作为人类社会的未来，真心希望他们在阳光下成长。
《告白》虐心程度超过我之前观看金惠子主演《母亲》的感受，是一部比恐怖片更令人心颤的影片。至少《母亲》中有强大母爱关怀，而《告白》中却是彻骨的寒冷。观影过程中，想努力搜寻哪怕丝丝的温暖，却始终一无所获，影片结尾希冀着能有一丝转机，尘埃落定之时却来一句：“开玩笑的。”泼了一身冷水。这一情节颇似《狩猎》的最后一枪，同样具有反思人性的作用。
得力于原作小说推理的缜密性，本片的情节处理十分出彩。虽不知《告白》一片导演的意图是否是一意孤行的挖掘人心的险恶，但是滴水不漏的剧情，巧妙绝伦的构思，聪明的电影画面的运用，确实值得电影人顶礼膜拜。

电影反映生活，电影里的残酷人性也许就发生在我们身边。关于人性的追问，永远不会停止，但我还是相信人性本善。毕竟，人类是一个进步的向上的群体。

1995左右前的丹麦，一个乡绅家里，这位乡绅在孩子小时候对自己的儿子、女儿性骚扰，女儿长大后自杀、儿子长大后找父亲算账的家庭故事。父亲最后认错，不过这父亲也是一个知错能改、敢于向自己孩子认错的人。

过生日男人穿黑色西装、戴着蝴蝶结领带，女人dress。他们穿西装这么经常，难道都要干洗吗？

餐桌喜欢点蜡烛。好像只见过他们喝红酒，没有什么白酒之类。

想讲话时候拿刀叉敲杯子，餐桌喜欢点蜡烛

丹麦人住有人自杀过的房间也会感到心理不适

儿子女儿每家都有车

做爱的镜头从上面拍，性观念蛮开放的

给父亲庆祝生日，儿女们都回来，很多而自都在巴黎工作

又是一个发生在聚会中的变故的电影故事。一夜之间，地覆天翻。

又或者什么都没变，丑恶的人还是那么丑恶，无辜的人受过的伤害也无法被当作从未发生。

这部电影，在我的片单里是少有的。我很少看北欧的电影，但是，在我的印象里，它们的电影风格应该是平实又兼深邃，又像是遥远的星星，一闪一闪，点缀在深蓝的夜空中。夜空也不是太过暗黑，就是单纯的色调，简单地悬挂在我们地眼中。这一次的观影体验，正是这样的。

记得我看过一部纪录片，关于胶卷和数码相机在电影中的运用，它们各有各的拥趸，而这部影片正是在摄影机发展过程中首次被用于电影拍摄的影片，如果我没记错的话。那是我第一次听说这部影片，今天，是我首次看这部影片。

影片的展开平铺直叙，孩子们从各地赶回家，参加父亲举办的60岁的生日宴会。兄弟妹三人相处融洽，你丝毫看不出有任何不妥的地方。当然，不妥之处不在于孩子们之间的关系，而在于父亲与孩子们之间。并且，当我看到Christian和父亲会面的情节时，我甚至一度认为父亲更偏爱Christian一些，相对于父亲将Micheal排除在宴会名单之列。但是随着情节的展开，我才渐渐发现Micheal仅仅是莽撞而已，而Christian才是有故事的人。之后宴会上，Christian一次次地尝试把所有事实讲诉给宾客们，却都以失败告终。在第一次尝试后，Christian甚至都试图放弃。但是Christian地朋友们（酒店的工作人员）支持他，他才继续坚持，并且在酒店侍者的帮助下，让所有的宾客相信他所说的故事不是他臆想中的，而是真真切切发生的。Christian非常无助，在所有人不信任他的时候，在所有人保持冷漠的态度选择性的相信着自己的偏见的时候，他就好像是落入河水的一颗石子，推着他前进的是一股默默涌起的浪和自己双胞胎妹妹死亡事件对自己的打击。Christian的所有尝试均无果，最后揭开它们父亲真面目的还是Linda的遗书。但是奇怪的是，事实被揭发了，父亲恼羞成怒了，宾客们却没有我期待的反映，只是默默地面面相觑。反而是Micheal在夜里找到父亲，发泄一般的对他拳打脚踢。

关于宴会上众人对Christian揭发事件的反应，我想提一下。首先讲到Micheal。这是一个十分具有个人色彩的角色，自私、莽撞、大男子主义、无知且简单、重情义。他对家里发生的事情一无所知，从不了解哥哥姐姐所遭受的厄运，因此他不信任Christian，只觉得是Christian脑子出了毛病。于是他的做法很简单，将Christian轰出去，让他无法再回到宴会上，并且在每次推搡中都说这是他哥不能太伤害他。并且在真相被确认后，他的脸上也表现出了明显的震惊。Micheal角色的性格十分突出，易怒的性格，鲜明的红色。Helene知道一切真相，但是并不支持Christian的曝光行为。她曾经质问Christian为什么要这样做。她似乎一直在试图维护家族的形象，维持宴会的平稳进行。她一次次的的想要逃避。最终，Linda的信回到了她的手上，并由Helene的口被念出。Helene的角色十分脆弱，她试图维护表面的平静，但深感无力之后只能选择哭泣，从他人的安慰中逐渐站立起来，直面现实大厦之倾覆。她的颜色是绿色。另外Christian则是蓝色。不过他也并非是一直忧郁的，在事情解决之后，他的人生也开始有了亮色，开始追求自己的爱情。关于宾客们所担任的角色，大概就是冷眼旁观的群众吧。它们随着引导而大喜大怒，随着引导而且歌且舞。

故事地讲述从Christian回来途中偶遇Micheal开始讲述，接着便是众人等待晚宴的开始。兄弟妹三人的画面平行剪切，但是画面的组合令人疑惑。众人没有对晚宴的期待，反而是各有各的心事。也是在这个过程中，故事终又有了一个新的角色，自杀身亡的Christian的双胞胎妹妹。故事的高潮发生在晚宴上，并随着Christian的晕倒，陡然变得平稳。晚宴的戏份是很值得细究的。各位主要角色的演技也十分专业。画面镜头的摇晃似乎更增添了我们心情的复杂。拍摄的角度也时时变化，距离也时而偏远时而靠近。特写的部分是我们审视角色内心的部分；来自角落的目光则给予我们作为旁观者的感觉。另外，电影似乎很会抓人眼球，不仅来自于情节的发展上，也来自于画面的组接上，比如上一秒是Christian低沉的画面，下一帧便是宾客开怀的画面。